레나 크론크비스트, 고통에서 시선을 떼지 않은 예술가
레나 크론크비스트는 삶을 화폭에 담아 인간의 다양한 삶의 단계를, 탄생에서 죽음에 이르기까지 표현했습니다. 그녀는 사물을 그리고, 작은 동물 뼈를 스케치했으며, 창조의 모티브를 엮고, 구리판에 바늘로 얼굴을 새기고, 흙으로 몸을 조각했습니다. 동시대 스웨덴 미술계에서 가장 중요한 인물 중 한 명이자, 그녀의 세대에서 마지막으로 남은 위대한 예술가 중 한 명인 크론크비스트는 미술의 모든 고전적인 기법을 자유롭게 넘나들었습니다. 그녀의 표현은 직접적이고, 복합적이며, 인간과 이미지에 대한 특별한 호기심으로 보는 이의 마음을 깊이 울립니다.
가족, 그리고 세상과의 관계
실존적인 드라마가 그녀의 주요 테마였고, 가족 내의 관계와 주변 환경과 그녀 자신 사이의 관계가 그림의 중심을 차지했습니다. 1965년 Galerie Pierre에서 데뷔하여 2024년 Konstakademien에서 열린 마지막 대규모 회고전까지, 그녀가 개인적으로 보관해 온 작품들로만 구성된 60년 동안의 창작 활동에서 자유는 그녀의 이야기의 가장 분명한 특징이었습니다. 정서적 억압과 정신과 치료의 강압적인 방법들을 묘사할 때조차, 그녀의 그림에는 자유를 갈망하는 정신이 흘러넘쳤습니다. 어쩌면 특히 그럴지도 모릅니다.
'교외의 성모'와 자기 성찰
1970년작 '교외의 성모'는 그녀가 어머니 역할과 임신 중 정신병의 후유증과 씨름하는 모습을 담고 있어, 보는 이들에게 강렬한 인상을 남깁니다. 또한 아버지와 어머니의 임종을 지켜보며 그림 속에서 드러나는 완전한 고독은 보는 이의 마음을 아프게 합니다. 동시에 그녀가 시선을 돌리지 않았다는 사실에 감사함을 느낍니다. 그녀는 개인적인 상황을 누구라도 공감할 수 있는 경험으로 승화시켰습니다.
삶의 덧없음을 드러내다
우리는 레나 크론크비스트의 그림 세계가 선사하는 생생한 현존감에 매료되었고, 그녀의 충실한 관객들은 자신의 삶의 많은 부분을 그녀와 함께했습니다. 그녀는 오랫동안 스웨덴 미술계의 이정표였으며, 자신의 길을 굳건히 걸었습니다. 그녀는 스포트라이트를 불편해하는 듯했습니다. 그녀의 다채로운 형상은 점점 더 집중되었습니다. 세부 묘사가 풍부한 사실주의에서 점점 더 형이상학적인 구성을 향해 나아갔습니다. 그녀만큼 삶의 덧없음을 같은 확고한 명료함으로 시각화할 수 있는 사람은 드물었습니다.
초기 작품과 '약혼'의 의미
저는 또한 60~70년대 그녀의 초기 서부 해안 풍경에서 신선함을 발견하고 놀라곤 했습니다. 코스터 절벽과 예테보리 출신 화가 잉에 셸러의 정신을 기리는 꽃이 만발한 해변 초원을 그린 작은 그림들은 경매장의 전시회에서 다시 등장했습니다. 그녀의 주요 작품인 '약혼'이 2016년 최고 판매 기록을 세운 아틀리에와는 전혀 다른 장소였습니다. 얀 반 에이크의 15세기 작품을 패러디한 이 작품은, 여러 고전 회화에 대한 오마주 중 하나로, 그녀의 동반자이자 작가인 예란 툰스트룀과의 결합을 묘사합니다. 그들은 함께 연극 및 영화 연출가로 활동하는 아들 리누스 툰스트룀을 두었습니다. '약혼'은 보관되어 있으며, 그녀의 어린 시절 도시인 칼스타드에 있는 베름란드 박물관에 전시되어 있습니다.
두 개의 세계, 그리고 경계
크론크비스트의 집중된 구성에는 프란시스 베이컨의 공간 경험이나 에드바르드 뭉크의 감정적 강렬함에서 영감을 받은 흔적이 있습니다. 예란 툰스트룀은 그녀의 창작 활동을 '야외 세계'와 '실내 세계'라는 두 개의 극으로 묘사했습니다. 서로를 전제로 하는 상반된 영역들이죠. 그리고 그것들은 크론크비스트의 많은 그림을 관통하는 수평적인 탁자 위에서 만날 수 있었습니다. 그녀의 무대였던 분리된 작업대 말입니다.
작가 비르기타 트로치그 역시 크론크비스트가 넘나들었던 두 개의 현실 사이의 대조와 '그 경계가 불안하게 굽이치는 방식'을 강조했습니다. 의식과 잠재의식 사이의 긴장감, 그리고 일상 속의 낯선 것들을 중심으로 크론크비스트의 많은 그림들이 펼쳐집니다. 그녀가 거울을 든 자화상 연작에서 자신을 내려다보며 동시에 미지의 세계를 응시할 때처럼 말입니다. 또는 그녀가 반항적이고 장난기 넘치는 소녀들이 부모와 서로를 탐구하도록 할 때, 단지 황량한 바닥과 벽, 또는 무한한 하늘로 이루어진, 간결하면서도 밀도 있는 그림 공간에서 말입니다. 그들은 서로의 역할, 나이, 그리고 힘의 위치를 시험합니다.
말년의 시련과 예술혼
크론크비스트는 국내외 많은 미술관과 박물관에서 전시회를 열었고, 어떤 곳에서는 여러 번 열었지만, 어떤 이유에서인지 모데르나 박물관에서는 대규모 전시회를 열지 못했습니다. 하지만 몇 년 전, 이 기관은 그녀의 작품 '갇힌'과 임신한 여성이 호랑이를 쓰다듬는 모습을 담은 섬유 작품을 코로나19 지원 사업인 '스웨덴의 획득'을 통해 소장품에 추가했습니다.
그녀는 더 이상 색과 붓으로 그림을 그릴 수 없게 되자, 한동안 아크릴 펜과 흰색 분필을 사용하여 짙은 파란색 배경에 그림을 그렸습니다. 그 기술은 우산을 들고 산책하는 걱정 없는 소녀들의 극도로 단순화된 이미지를 만들어냈습니다. 그래서 어쩌면 그녀의 그림에 대한 꿈은 계속해서 싹텄을지도 모릅니다.
"지혜의 빛으로 꿈을 비추는 것이 아니라, 자신을 잊고 그림 속에 몰두하는 것, 흐름 속에 있는 것." 산나 토렌 비에르링이 레나 크론크비스트와 나눈 인터뷰를 읽어보세요: "자신의 전시회를 볼 수 없다는 것은 분명 이상하게 느껴집니다."
Konstnären Lena Cronqvists stora tema var relationerna inom familjen – och mellan henne själv och världen.
"Hon förmådde omvandla djupt personliga erfarenheter så att vem som helst kunde leva sig in i dem", skriver Magnus Bons.
Lena Cronqvist målade livet.
Hon gestaltade människans olika livsfaser, från födelsen till döden.
Hon tecknade tingen och små upphittade djurskelett.
Vävde skapelsemotiv, rispade ansikten med nålen i kopparplåt och skulpterade kroppar i lera.
Som ett av de sista stora konstnärskapen i sin generation, och ett av de mest betydande namnen inom svensk samtidskonst, rörde sig Cronqvist otvunget mellan samtliga av konstens klassiska tekniker.
Hennes uttryck berör betraktaren på djupet, med sin direkthet, med sin sammansatta och särskilda nyfikenhet på människan och bilden.
Det existentiella dramat utgjorde det stora temat, och relationerna inom familjen och mellan omgivningen och henne själv befann sig i målningarnas absoluta centrum.
Under sex decennier av skapande, från debuten 1965 på Galerie Pierre fram till den sista stora retrospektiven på Konstakademien 2024, som enbart bestod av verk hon sparat i sitt personliga lager, var frihet den berättelsens tydligaste kännetecken.
Även när hon skildrar känslomässig inkapsling och psykvårdens tvångsmetoder flödar ett frihetstörstande drag genom hennes bilder.
Kanske särskilt då.
Ikoniska är hennes "Förortsmadonnor" från 1970 där hon kämpar med mammarollen och sviterna av en havandeskapspsykos Men nog kunde hon vara skoningslös gentemot betraktaren och, inte minst, mot sig själv som hon genomgående använde som modell.
Ikoniska är hennes "Förortsmadonnor" från 1970 där hon kämpar med mammarollen och sviterna av en havandeskapspsykos.
Och visst smärtar det att betrakta den totala övergivenhet hon utstrålar i målningarna sittande vid pappans och mammans dödsbädd.
På samma gång som jag känner tacksamhet för att hon inte vände bort blicken.
För att hon förmådde omvandla en djupt personlig situation till gestaltade erfarenheter möjliga för vem som helst att leva sig in i.
Vi är många som har fängslats av den påtagliga närvaron i Lena Cronqvists bildvärld, och många i hennes trogna publik följde henne under stora delar av sina egna liv.
Hon var sedan länge ett riktmärke i svenskt konstliv, och trogen sitt eget spår.
Tycktes obekväm i rampljuset.
Hennes färgrika figuration gick mot en allt större koncentration.
Från en detaljrik realism rörde hon sig till alltmer metafysiska kompositioner.
Få kunde som hon synliggöra livets skörhet med samma obönhörliga klarhet.
Konstnären Lena Cronqvist 1966.
Foto: Sam Stadener Då och då överraskades jag också av friskheten i hennes tidiga västkustlandskap från 60- och 70-talet.
De små soliga målningarna av Koster-klippor och blomstrande strandängar i Göteborgskoloristen Inge Schiölers anda återkom på auktionshusens visningar.
En plats väsensskild från ateljén, men där hennes centrala målning "Trolovningen" satte försäljningsrekord 2016.
I parafrasen på Jan van Eycks 1400-talsverk, en av flera referenser till äldre måleri, framställer hon sin förening med livskamraten och författaren Göran Tunström.
Tillsammans fick de sonen Linus Tunström, verksam som regissör inom teater och film.
"Trolovningen" är deponerad och hänger framme på Värmlands museum i barndomsstaden Karlstad.
Göran Tunström har beskrivit hennes skapande som präglat av två poler – "utomhusvärlden" och "inomhusvärlden" I Cronqvists koncentrerade kompositioner finns också tidigt spår från upplevelser av rumsligheten hos Francis Bacon eller känslostyrkan hos Edvard Munch.
Göran Tunström har beskrivit hennes skapande som präglat av två poler – "utomhusvärlden" och "inomhusvärlden".
Motsatta områden som också förutsätter varandra.
Och som kunde mötas vid den horisontella bordskivan som löper genom så många av Cronqvists målningar.
Ett avdelande arbetsbord, hennes urscen.
Även författaren Birgitta Trotzig betonade just kontrasterna mellan de dubbla verkligheter som Cronqvist rörde sig i – och "hur gränsen mellan dem oroande buktar".
I laddningen mellan medvetet och undermedvetet, och kring det främmande i det vardagliga utspelar sig många av Cronqvists målningar.
Som när hon i sviten av självporträtt med handspeglar blickar ner mot sig själv.
Och samtidigt in i det okända.
Eller när hon låter sina rebelliskt leklystna flickor utforska föräldrarna och varandra i lika överskådliga som förtätade bildrum, endast bestående av ett kargt golv mot en vägg, eller mot en oändlig himmel.
De prövar varandras roller, deras ålder och styrkepositioner förskjuts.
Lena Cronqvist när hon 2013 visas på Liljevalchs.
Foto: Paul Hansen Cronqvist ställde ut på många av landets små och stora konsthallar och museer, på vissa flera gånger, men av någon anledning aldrig i stort format på Moderna museet.
Fast institutionen utökade för några år sedan sin samling av hennes verk med sjukhusmålningen "Inlåst" och ett textilt verk där en havande kvinna klappar en tiger, båda inköpta till corona-satsningen "Svenska förvärv".
När hon inte längre kunde måla med färg och pensel använde hon under en tid akrylpennor och vit krita mot djupblå bakgrund.
Den sista retrospektiven på Konstakademien innehöll en tät vägg med Cronqvists själfulla grafik.
I starkt minne har jag också två av hennes sena utställningar, på Liljevalchs 2013 och Waldemarsudde 2020.
Den förra för de fantasifulla Giotto-änglarna som vakade och förfasade sig över människornas leverne på jorden, den senare för hur övertygande den presenterade hennes arbetsprocess och kreativiteten som ett behov, en absolut livsnödvändighet.
Där fanns många möjligheter att iaktta hur varierat och känsligt hon målade ögon, ansikten och vattenblänk.
Från Lena Cronqvists utställning på Waldermarsudde 2020.
Foto: Pontus Lundahl/TT Också de återkommande presentationerna på Galleri Lars Bohman i Stockholm gav fin kontinuitet.
Det var där som flickornas både grymma och lustfyllda lekar framför rutiga bakgrunder först presenterades.
Liksom självporträtten och målningarna i den gripande sviten "Vita ark", gjord efter Tunströms bortgång 2000.
Hon bär honom i famnen, håller fram honom som en liten påklädd pojkdocka.
De sista åren av hennes liv försämrades Cronqvists syn så att hon mot slutet blev helt blind.
En mardröm för vem som helst och en tragedi för en konstnär.
Men när hon inte längre kunde måla med färg och pensel använde hon under en tid akrylpennor och vit krita mot djupblå bakgrund.
Tekniken resulterande i ytterst reducerade bilder av obekymrade flickor på vandring under parasoll.
Så kanske fortsatte ändå hennes dröm om måleriet att knoppas: "Att vara i flödet, att inte lysa med förnuftets lampa på drömmarna utan att glömma sig själv och vara i målandet."Läs Sanna Torén Björlings intervju med Lena Cronqvist: "Det är klart att det känns konstigt att inte kunna se sin egen utställning"
