파리, 오트 쿠튀르의 탄생을 조명하다: 두 선구자의 매혹적인 전시
파리에서 오트 쿠튀르의 화려한 시작을 알린 두 명의 전설적인 선구자를 만날 기회가 열렸습니다. 쁘띠 팔레(Petit Palais)에서는 샤를 프레데릭 워스(Charles Frederick Worth)의 화려한 작품들을, 장식 미술관(Musée des arts décoratifs)에서는 폴 푸아레(Paul Poiret)의 혁신적인 디자인을 선보이는 전시가 동시에 개최되어 패션계를 뜨겁게 달구고 있습니다.
워스, 오트 쿠튀르를 창조하다
쁘띠 팔레의 웅장한 전시관은 메종 워스(Maison Worth)의 매혹적인 색상과 디자인으로 가득 채워졌습니다. 코르셋, 크리놀린, 턴, 그리고 발목까지 내려오는 긴 치마 등, 한 시대를 풍미했던 고급 소재로 제작된 작품들이 관람객들을 맞이합니다. 1900년 만국 박람회를 위해 건설된 이 공간에서, 당시 살아있는 듯 생생하게 움직였을 의상들을 상상하는 것은 어렵지 않습니다.
워스는 파리 오트 쿠튀르의 창시자로 여겨집니다.
워스는 이미 40년 전부터 세계적으로 유명한 패션 하우스였습니다. 창립자 본인은 세상을 떠났지만, 그의 아들들이 영향력 있는 패션 제국을 이끌었습니다. 영국 출신인 샤를 프레데릭 워스는 파리 오트 쿠튀르의 창시자로 여겨집니다. 그는 1858년, 스웨덴 출신의 동업자 오토 구스타프 보베르그(Otto Gustaf Bobergh)와 함께 전설적인 주소인 7 Rue de la Paix에 자신의 패션 하우스를 열었습니다.
혁신적인 비즈니스 모델
두 사람은 오늘날에도 여전히 유효한 혁신적인 비즈니스 모델을 통해 빠르게 성공을 거두었습니다. 그들은 디자이너와 고객 간의 권력 균형을 바꾸는 데 주력했습니다. 고객이 재료를 제공하고 주문하는 대신, 워스와 보베르그는 자체적으로 엄선한 재료로 시즌별 컬렉션을 제작하여 패션 하우스에서 선보였습니다.
이러한 방식으로 의상 제작자는 단순한 장인이 아닌, 자신의 걸작에 라벨을 붙이는 존경받는 예술가로 격상되었습니다. 오토 구스타프 보베르그는 12년 후 성공적인 패션 하우스를 떠났지만, 전시에서는 워스 가문에 초점을 맞추고 있습니다. 워스 가문은 4대에 걸쳐 패션 하우스를 운영했습니다.
마리 베르네, 숨겨진 조력자
마리 베르네, 즉 워스 부인은 회사의 주요 동력 중 하나로 부상했습니다. 쁘띠 팔레의 큐레이터들은 그녀가 이전 역사 기록보다 더 중요한 역할을 했을 것이라고 추정합니다. 그녀의 노력은 특히 고객과의 관계에서 결정적이었습니다.
1860년대, 프랑스 황후 외제니가 고객이 되면서 성공은 보장되었습니다. 이후 오스트리아의 시시 황후, 스웨덴의 루이즈 여왕, 러시아의 대공비 등 유럽의 모든 궁정에서 워스의 의상을 찾았습니다. 배우와 사회 고위층 여성들이 전 세계에서 패션 하우스를 찾았습니다. 특히, 워스의 미학에서 영감을 얻은 의상 디자이너가 등장하는 오늘날의 TV 시리즈 "더 길디드 에이지(The Gilded Age)"처럼, 사회에서 자신의 지위를 과시하기 위해 의상을 필요로 하는 미국의 부유한 여성들이 많았습니다.
폴 푸아레: 새로운 시대를 열다
워스 하우스에는 폴 푸아레와 같은 젊은 인재들이 모여들었습니다. 그는 1901년, 명망 있는 하우스에 새로운 활력을 불어넣기 위해 워스의 아들 가스통과 장-필리프에 의해 고용되었습니다. 이는 오늘날에도 새로운 크리에이터를 영입하여 주목을 받고 새로운 고객을 유치하는 패션계의 트렌드와 일치합니다.
그러나 푸아레의 젊고 과감한 라인, 곧은 실루엣, 그리고 화려한 디자인은 워스의 보수적인 고객들에게 좋은 반응을 얻지 못했습니다. 워스에서 짧은 경력을 쌓은 후, 푸아레는 1903년 자신의 패션 하우스를 설립하여 20세기 초 가장 영향력 있는 트렌드세터가 되었습니다.
장식 미술관에서는 쁘띠 팔레에서 불과 몇 걸음 거리에 있는 폴 푸아레의 매혹적인 이야기를 두 개의 패션 층에 걸쳐 자세히 소개합니다.
푸아레는 20세기 초의 인공적인 실루엣을 버리고, 보다 자연스러운 라인과 편안한 룩을 선보이며 현대적인 옷장의 시작을 알린 크리에이터로 역사에 기록되었습니다.
그는 러시아 발레, 야수파의 선명한 색상, 그리고 엠파이어 스타일의 얇은 천과 고전적인 드레이핑에서 영감을 얻어, 당시 유행하던 이국적인 것에 대한 열정을 디자인에 담았습니다. 전시에서는 1907년의 아이코닉한 드레스 "조세핀"을 비롯하여, 높은 허리와 하나의 핑크색 장미로 장식된 엠파이어 스타일의 드레스가 전시됩니다. 이는 19세기 초, 장미와 고대 스타일의 패션을 사랑했던 조세핀 황후에게 보내는 오마주입니다.
푸아레의 혁신적인 스타일
또한, 카프탄과 기모노를 기반으로 한, 단순하고 기하학적인 랩 스타일의 시그니처 의상들이 다수 전시됩니다. 1911년의 이브닝 케이프는 예술가 라울 뒤피(Raoul Dufy)가 디자인한 기하학적인 꽃무늬가 특징입니다.
장식 미술관의 큐레이터들은 워스 전시와 마찬가지로, 푸아레의 아내 데니스 불레(Denise Boulet)를 패션 역사에 중요한 인물로 기록했습니다. 그녀는 푸아레의 뮤즈이자 그의 주요 스타일 홍보대사였습니다. 다른 여성들도 그녀가 입은 옷을 입고 싶어 했습니다. 부부는 건축가 루이 쉬(Louis Süe)가 디자인한, 동양적인 꿈을 연상시키는 대저택을 열었습니다. 그들은 "천일야화"와 같은 테마로 매혹적인 시즌별 패션쇼와 화려한 가면무도회를 열었습니다. 1920년대 중반까지, 그들은 전 세계에서 성공을 거두었습니다.
푸아레는 당시 예술 및 연극계와 연관되어, 폴 이리브(Paul Iribe), 조르주 르파프(Georges Lepape), 조르주 바르비에(Georges Barbier)와 같은 예술가들과 협력했습니다. 그들의 대담한 라인과 강렬한 색상으로 제작된 패션 하우스 카탈로그의 획기적인 삽화는 성공에 기여했으며, 현재 전시회의 화려한 디자인에도 영감을 주고 있습니다. 푸아레는 공간에 대한 강한 관심을 가지고 있었으며, 오스트리아 디자인 그룹 비너 베르크슈테테(Wiener Werkstätte)의 "모든 예술 작품으로서의 집"이라는 아이디어에서 영감을 받아, 패션, 향수, 인테리어 디자인 등 세 가지 별도의 사업 부문을 런칭했습니다. 이 모든 것이 전시회에 소개됩니다.
1925년 파리 장식 미술 박람회에서, 다소 무모했던 폴 푸아레는 엄청난 투자를 감행했습니다. 그는 박람회장에 참여하는 대신, 센 강 좌안에 정박한 세 척의 바지선에서 자신의 화려한 스타일 유니버스를 선보였습니다. 라울 뒤피가 그린 무대 장치에 패션 작품을 전시하여 감각적인 경험을 선사했습니다. 또한, 바지선에는 훌륭한 레스토랑도 마련되어 있었습니다. 모든 것이 성공을 위해 준비되었지만, 방문객은 거의 없었습니다. 푸아레는 너무 많은 투자를 했습니다. 얼마 지나지 않아, 그의 사업은 파산했습니다. 20세기 초 파리 패션의 가장 큰 위험 부담자였던 그는 자신의 역할을 다했습니다. 1925년 이후, 이국적인 드림 가든은 더 이상 유행하지 않았고, 현대적이고 독립적인 여성을 위한 합리적인 룩이 대세가 되었습니다.
워스의 화려한 럭셔리와 폴 푸아레의 이국적인 판타지는 잠시 그 역할을 다했습니다. 흥미롭게도, 오트 쿠튀르의 역사와 아카이브에 대한 관심이 높아졌음에도 불구하고, 이 두 선구적인 패션 하우스는 오늘날까지 부활하지 못했습니다. 그러나 이들은 크리스찬 디올(Christian Dior), 존 갈리아노(John Galliano), 마틴 마르지엘라(Martin Margiela)와 같은 새로운 선구자들에게 영감을 주었습니다. 이 놀라운 패션 전시회에서 영감을 받은 새로운 흐름이 곧 런웨이를 장식할 것이라는 점은 의심의 여지가 없습니다.
Två tidiga, banbrytande modeskapare i Paris är parallellt utställningsaktuella i staden.
Charles Frederick Worths överdådiga kreationer i exklusiva material och Paul Poirets mer lättburna exotiska drömplagg fascinerar Susanna Strömquist.
Utställningar "Worth, inventing haute couture" Petit Palais, Paris Visas t o m 7/9 "Paul Poiret, fashion is a feast" Musée des arts décoratifs, Paris Visas t o m 11/1 2026 Visa mer Visa mindre Modets huvudstad Paris bjuder just nu på en unik möjlighet att lära känna två legendariska föregångare från haute couturens grandiosa begynnelse.
Petit Palais magnifika utställningshallar är fyllda till brädden av omfångsrika kreationer i förtjusande färger och fascinerande snitt från Maison Worth.
Korsetterade liv, krinoliner, turnyrer och fotsida kjolar med meterlånga släp.
Fantastiska hantverkskreationer i exklusiva material från en svunnen era.
Det är lätt att tänka sig att något av de många kurviga mästerverk som nu exponeras på skräddarbyster i glasmontrar en gång i tiden faktiskt svassade fram på en levande kropp i just i de här lokalerna, som byggdes till Världsutställningen 1900.
Bild 1 av 3 Vy från "Worth, inventing haute couture" på Petit Palais.
Foto: Gautier Deblonde/Musée Petit Palais Bild 2 av 3 Vy från "Worth, inventing haute couture" på Petit Palais.
Foto: Gautier Deblonde/Petit palais Bild 3 av 3 Worth, "Lady Cruzon's court gown", 1903.
Foto: Petit Palais Maison Worth var då redan sedan fyrtio år tillbaka världens mest omtalade modehus.
Grundaren själv hade visserligen gått bort, men det inflytelserika modeimperiet drevs vidare av hans söner.
Engelsmannen Charles Frederick Worth brukar räknas som den parisiska haute couturens grundare.
Han öppnade sitt modehus 1858 på den mytomspunna adressen 7 Rue de la Paix tillsammans med sin svenska kompanjon, Otto Gustaf Bobergh.
Den dynamiska duon slog snabbt igenom stort med hjälp av en visionär affärsmetod som fortfarande ligger till grund för dagens numera visserligen hett omdebatterade modesystem.
Charles Frederick Worth, porträtterad av Nadar 1892.
Foto: Nadar Worth och Boberghs nydanande strategi handlade i grova drag om att de vände på maktbalansen mellan kreatör och beställare.
I stället för att kunden försåg skräddaren eller sömmerskan med tyg och beställning tog duon kommandot och lanserade säsongsvisa idékollektioner som presenterades i modehusets egna lokaler och som sedan syddes upp av material som de själva handplockat.
Klädmakaren uppgraderades i ett slag från hantverkare till kreatör – en hyllad konstnär som signerade sina mästerverk med isydda etiketter.
Otto Gustaf Bobergh lämnade det framgångsrika modehuset efter tolv år och ägnas ingen större uppmärksamhet i utställningen.
Fokus är i stället inställt på dynastin Worth.
Modehuset gick i arv i hela fyra generationer.
Vy från "Worth, inventing haute couture" på Petit Palais.
Foto: Gautier Deblonde/Petit Palais Marie Vernet, eller fru Worth, lyfts fram som en av de drivande krafterna i företaget.
Enligt kuratorerna på Petit Palais spelade hon troligen en mer betydande roll än vad som framgått av tidigare historieskrivning.
Hennes insatser var bland annat avgörande i kontakten med kundkretsen.
Succén var given när kejsarinnan Eugénie av Frankrike blev kund på 1860-talet.
Efter det följde samtliga hov i Europa, inklusive kejsarinnan Sissi av Österrike och Sveriges drottning Lovisa samt de ryska storfurstinnorna.
Skådespelare och kvinnor i samhällets toppskikt från världens alla hörn flockades till modehuset.
Inte minst amerikanska dollarprinsessor med behov av en statusgarderob för att positionera sig inom societeten – ett fenomen som skildras i dagens tv-serie "The Gilded Age" där kostymören hämtat inspiration i just Worths estetik.
Nadar, La comtesse Greffulhe, en av Worths stamkunder.
Foto: Nadar De storslagna kreationerna i utställningen varvas med ett stort antal guldramade porträttmålningar och svartvita fotografier av husets stamkunder.
Den omsusade grevinnan Greffulhe var en dem och tillika förebild för romanfiguren grevinnan Guermantes i Marcel Prousts "På spaning efter den tid som flytt".
Den omfattande utställningen gör även ett intressant nedslag i betydelsen av 1800-talets främsta lyxgata Rue de la Paix där Maison Worths grannar, som modehuset Paquin och juveleraren Cartier, frekventerades av samma förmögna kundkrets.
Hantverkskonsten och arbetsprocessen bakom plaggen avhandlas dock mer svepande.
Jag hade gärna sett mer av den sidan av verksamheten.
När modehuset stod på topp fyllde det hela åtta våningar i fastigheten på Rue de la Paix, med över tusen medarbetare.
Worth, "Robe du soir", 1900-1905.
Foto: Petit Palais Modeskaparen Paul Poiret var en av många unga talanger som sökte sig till huset Worth.
Han anställdes 1901 av sönerna Gaston och Jean-Philippe för att bidra med nytt blod till det anrika huset.
Ett tema som känns igen från dagens modescen där nya kreatörer ständigt kallas in för att skapa uppmärksamhet och locka nya kunder.
Paul Poirets ungdomligt svepande linjer, raka silhuetter och färgstarka design föll dock inte i god jord hos Worths konservativa kundkrets.
Efter en kortlivad karriär hos Worth grundade Poiret 1903 sitt eget modehus och kom snart att bli det tidiga 1900-talets främsta trendsättare.
På Musée des arts décoratifs, en kort promenad från Petit Palais, berättas påpassligt nog nu även Paul Poirets fängslande historia i en gedigen exposé som sträcker sig över museets två modeplan.
Paul Poiret i sitt modehus i Paris 1927.
Foto: Thérèse Bonney/Bibliothèque historique de la Ville de Paris.
Poiret har gått till historien som kreatören som avskaffade sekelskiftets konstlade silhuett till förmån för en naturligare linje och mer lättburen look som blev startskottet för den moderna garderoben.
Inspiration hämtade han i tidens vurm för det exotiska med influenser från Ryska baletten, den avantgardistiska konstscenen med fauvisternas klara, starka palett samt i empiremodets kolonnsmala silhuetter, skira tyger och klassiska draperingar.
I utställningen visas bland annat den ikoniska klänningen "Josephine" från 1907.
En empireinfluerad kreation med hög midja och en enda rosa ros i ringningen – som en blinkning till kejsarinnan Joséphines faiblesse vid 1800-talets början för både rosor och ett antikiserande mode.
Paul Poiret, "Joséphine", evening dress Paris, 1907.
Foto: Christophe Dellière/Les Arts Décoratifs Här finns även ett stort antal utsökta exempel på signaturstarka plagg baserade på kaftaner och kimonos med till synes enkla, geometriska och omsvepande snitt.
Bland annat en aftonkappa från 1911 vars grafiska blommönster designades av konstnären Raoul Dufy.
Liksom i Worth-utställningen har kuratorerna på Musée des arts décoratifs ansträngt sig för att skriva in fru Poiret, Denise Boulet, i modets historia.
Hon lyfts fram som en betydande nyckel till framgångarna.
Denise Boulet var Poirets musa och även hans främsta stilambassadör.
Plaggen hon bar ville även andra kvinnor synas i.
Tillsammans öppnade makarna ett jättepalats inrett likt en orientalisk dröm av arkitekten Louis Süe på 107 Rue du Faubourg-Saint-Honoré.
De bjöd in till magiska säsongsvisa modevisningar och omskrivna maskeradfester med teman som "Tusen och två nätter".
Fram till mitten av 1920-talet firade de triumf efter triumf världen över.
Denise Poiret i kreationen "Mythe ou faune" av maken Paul Poiret, 1919.
Foto: Les Arts Dècoratifs Poiret var involverad i tidens konst- och teaterscen och samarbetade med konstnärer som Paul Iribe, Georges Lepape och Georges Barbier.
Deras banbrytande illustrationer för modehusets kataloger med djärva linjer och starka färger bidrog till framgångarna, och är nu även en inspirationskälla till utställningens färgstarka design – som dock stundtals tenderar att ta överhand och överskugga snarare än att lyfta fram föremålen.
Poiret hade ett starkt intresse för det rumsliga och var den första Paris-kreatören som skapade ett helt livsstiluniversum.
Inspirerad av österrikiska designgruppen Wiener Werkstättes idé om hemmet som allkonstverk lanserade han tre separata verksamhetsgrenar, som alla finns representerade i utställningen: mode, doft och inredningsdesign Inför konstindustriutställningen i Paris 1925, som har fått ge namn åt dåtidens dekorativa stil art deco, satsade den möjligen något fartblinde Paul Poiret megastort.
I stället för att delta på utställningsområdet valde han att presentera hela sitt överdådiga stiluniversum på tre pråmar förtöjda vid Seines vänstra strand.
Paul Poiret, "Mosaïque evening dress", Paris ca 1908 Foto: Christophe Dellière/Les Arts Décoratifs Modekreationerna visades mot scenografier målade av konstnären Raoul Dufy, för att skapa en omslutande, sinnlig upplevelse.
Det fanns även en välkurerad restaurang ombord.
Allt var upplagt för succé.
Men besökarna uteblev.
Poiret hade satsat för högt.
Kort senare gick verksamheten i konkurs.
Parismodets främste risktagare under det tidiga 1900-talet hade gjort sitt.
Efter 1925 var det inte längre exotiska drömgarderober som gällde utan en rationell look för den moderna, självständiga kvinnan.
Både Maison Worths överdådiga lyx och Paul Poirets exotiska fantasier hade spelat ut sin roll – för stunden.
Anmärkningsvärt nog har inget av dessa två banbrytande modehus återuppstått i våra dagar, trots ett massivt intresse för haute couturens historia och arkiv de senaste decennierna.
Men båda två har utan tvekan fortsatt att inspirera nya tongivare genom åren – som Christian Dior, John Galliano och Martin Margiela för att nämna några.
Det är heller ingen högoddsare att dagens catwalk inom kort kommer att nås av impulser från dessa makalösa modeexposéer.
Läs fler texter av Susanna Strömquist och fler konstrecensioner
